心得体会是在某个特定经历或事件后，我们从中汲取的经验教训和思考心得。小编为大家搜集了一些精彩的心得体会范文，希望能够为大家提供一些思路和灵感。
钢琴演奏与教学的论文
就钢琴演奏本身而言，应该是一个复杂的生理、心理结合统一的过程，它要求演奏者各感官间默契地配合，以达到钢琴演奏中所谓“琴人合一”的最高境界。然而，在部分教师的教学过程中，忽视了钢琴演奏本身所需要的各感官之间的联系配合，把艺术化、科学化的钢琴教学引入了单一技术训练的歧途。作为一名钢琴教师，在对上述现象感到悲哀的同时，也试图运用科学的理论对钢琴教学法进行改良，并希望通过对学生钢琴演奏中听觉、触觉、视觉协同能力的培养，使学生形成正确的弹奏方法，提高学习效率和演奏质量。
协同学主要是研究系统各要素之间，要素与系统之间，系统与环境之间的协调、同步、合作、互补关系。研究协同效应的形成，揭示系统进化的运动，核心思想是“协同导致有序”。协同学由一系列严密而复杂的原理组成。在钢琴教学协同性问题的研究主要运用了“协同效应原理”和“自组织原理”。
协同学认为：一个开放的大系统内的各个子系统既有独立运动，又有关联运动。当关联运动占主导地位时，各个子系统就会自动地服从于整体，产生协同效应，这时的整体功能大于各个部分功能之和。根据协同效应原理，笔者认为，要培养全面而高素质的钢琴演奏者，其关键是加强各感官之间的协调合作，使之产生协同效应。为此，我们要分析钢琴演奏中各感官的作用和特点，激发其潜能，加强它们之间的关联运动，优化钢琴弹奏系统的`整体功能。
自组织原理是指在一定的外部能量流或物资流输入的条件下，系统会通过大量子系统的协同作用，在自身涨落力的推动下，达到新的稳定，形成新的有序结构。根据自组织原理，笔者认为，要提高演奏者的弹奏能力，必须提高各感官之间的自组织能力，即听觉、触觉、视觉之间形成一种弹奏的默契，在自发的状态下进行协调配合，从而形成各感官之间的协同合作，使对音乐作品的演奏与表达成为一种自觉行为。
1.演奏听觉。
音乐是听觉的艺术。钢琴演奏教学中听觉主要包括外在听觉和内心听觉两个部分。
外在听觉能力是指运用耳朵听辨外在音乐音响的能力。
内心听觉能力是一种预知听觉，是建立在演奏者对声音的积累和存储基础之上，它类似于绘画中“胸有成竹”，即演奏者在弹奏之前内心已经听到了自己将要弹奏出的声音。
2.演奏触觉。
钢琴演奏触觉的发力部位从指尖开始，包括了腕、肘、臂、腰在内直至全身整体运动的综合。演奏触觉包含以下内容：即，触键种类（高抬指垂直触键、贴键法触键、冲击式触键、手腕摇动式触键等）、触键力度与速度、触键深度等。
3.演奏视觉。
钢琴演奏中的视觉可分为以下三种：（1）读谱视觉：在钢琴演奏过程中对谱面上所标示的音高、节奏、速度、力度等符号产生的视觉感受。（2）键面视觉：在钢琴演奏中对键盘位置的视觉感受。（3）记忆视觉：在背谱演奏过程中在脑海回放原谱的视觉感受。
1.通过“三觉”的协同形成理想的音色。
音乐是声音的艺术，在钢琴教学中如何形成理想的音色呢？音乐作品中旋律的风格、和声的色彩、力度的起伏、速度的变化等特征因素都是音色变化的内在依据。而这一系列信息的输入必须通过演奏者的视觉器官准确无误地传入大脑，大脑指挥触觉器官协调运动，完成与谱面信息相对应的触键。在整个过程中，听觉器官必须起到“调色”和监控的作用，即：将视觉获得的谱面信息转化为内心听觉，再与弹奏出来的实际音色效果（外在听觉）逐渐调和统一，从而达到运用听觉、触觉、视觉三者的协同形成理想音色的目的。
例如，学习弹奏《野蜂飞舞》这首乐曲时，我们应该从作品标题和谱面旋律的特点得到内心听觉的信息，并指导手指来表现这样一幅幅图画：一群群野蜂飞舞而来，一会儿集中（渐强的蜂鸣音色），一会儿又分散（渐弱的蜂鸣音色）；有时来势凶猛（和声织体加重），有时又有趣地围着野花采蜜（运用手腕转圈运动带领手指做“橄榄形”力度变化）。这样一来，音乐中的音色会更加生动自然、富有表现力。
2.通过“三觉”的协同完成各种演奏技巧。
任何音乐作品的演奏都需要通过不同的弹奏技巧得以体现。从表面看来，弹奏技巧的完成仅仅依赖于演奏者的触觉器官。然而，这种错误的观念也正是一些学生练琴无效率、无效果的主要原因。
在练琴的过程中，学生们最初获得的音乐信息全部来自于乐谱，教师应当引导学生把音符看成连续不断的声音模式符号，而不是孤立的单元。这样完整的视觉信息将有利于触觉器官对相应弹奏技巧的连贯与把握。与此同时，“自我鉴听”也是准确完成演奏技巧的重要环节。钢琴演奏的技巧可谓是品种繁多，有力度、速度、和声、触键方法等方面的。这也注定了演奏者在练习过程中，耳朵要对弹奏出来的音乐技巧“批判性”地听、有鉴别地听、有对比地听。只有通过这样反复的推敲和调整，使听觉、触觉、视觉产生协同效应，演奏者的技术水平才能不断地得以完善和提高。
3.通过“三觉”的协同表达音乐的情感。
音乐是情感的艺术，音乐作品中包含了作曲家的情感体验。演奏者通过演奏作品，进行了二度创作，其中也融入了演奏者对该音乐作品的理解及自身的情感表达。好的演奏者能够充分地表现作品的情境及内涵，准确表达出作曲家的创作意图。
在钢琴演奏教学中，教师要多启发学生通过想象力对音乐作品进行理解。例如，弹奏门德尔松的《威尼斯船歌》，就要引导学生根据作品标题、音乐形象等谱面信息发挥想象，如在脑海中浮现出这种景象：宽阔的河面上，一叶两头微翘的小舟，后面拖着一道长长的波浪，船儿随着波浪轻轻地摇曳着……音乐中的情感自然地从心里流出，演奏者的触觉也会自发地配合情感进行演奏，特别是当看到谱面上一串串波音记号时，更会情不自禁地在听觉和触觉上对“水波荡漾”这一情境进行诠释。
总之，演奏者的听觉、触觉、视觉是完成钢琴弹奏的主体与核心，在钢琴演奏教学中，教师应当运用协同学的科学理论，加强学生听觉、触觉、视觉的联系与配合，使之产生协同效应。这必将优化钢琴弹奏系统的整体功能，提高学习钢琴的效率和演奏的质量。
钢琴演奏活动心得体会
钢琴演奏活动是我多年来学习音乐的一部分，它不仅为我提供了展示自我的机会，还让我深刻体会到音乐的力量和艺术的魅力。最近的一次钢琴演奏活动，让我对音乐演奏有了更深远的理解，并从中获得了许多宝贵的体会。
第二段：准备阶段的困惑与成长。
在准备钢琴演奏活动的过程中，我面临了许多困惑。首先，选择合适的曲目对我来说非常困难，因为我既要考虑到曲目的难易程度，又要考虑到曲目是否能够吸引观众。此外，我还需要花费大量的时间和精力来反复练习，以确保能够熟悉和掌握每一个细节。然而，正是因为这些困惑和挑战，我变得更加坚持和努力。通过不断尝试和练习，我逐渐解决了我遇到的问题，并在过程中取得了实质性的成长。
第三段：现场演奏的紧张与快乐。
钢琴演奏活动当天，我充满着紧张和期待。当登上舞台，面对观众时，我的心跳加速，手掌微微出汗。然而，一旦我放下了自我，全身心地投入到演奏中，紧张感迅速转化为无比的快乐。曲目从指尖流淌而出，音符如绽放的花朵，在空气中跳跃。观众们的掌声和欢呼让我倍感满足，这种喜悦和满足感是我在其他活动中所无法获得的。即使在演奏中我也犯了一两个错误，但这并没有破坏我对整个演出的兴奋和快乐。
第四段：与他人的交流与启发。
作为一项集体活动，钢琴演奏不仅给我提供了展示自我的舞台，还为我与他人建立了联系。在这次活动中，我结识了许多来自不同国家和背景的钢琴演奏者。我们在排练和演出中互相鼓励和帮助，分享着彼此的经验和技巧。与他们的交流不仅拓宽了我的视野，也帮助我更好地了解和欣赏不同的音乐文化。他们的专业水平和风格也对我的音乐演奏有了深远的影响，启发了我对音乐的更高追求。
第五段：反思与展望。
通过这次钢琴演奏活动，我不仅增长了见识，还对自己的演奏能力有了更客观的认识。我认识到音乐演奏需要不断的学习和实践，并具备坚持和耐心的品质。而我也明白了在舞台上演奏的重要性，除了技术的熟练，还要有深入研究曲目和对音乐进行细致理解的能力。在未来的日子里，我会继续努力，不断提升自己的演奏水平，并且希望能够用音乐将更多人带入艺术的世界中。
结论。
钢琴演奏活动给我带来了无尽的快乐和满足感，并让我深刻认识到音乐的魅力和艺术的力量。通过演奏，我克服了困惑和紧张，获得了成长和进步。同时，我也在与他人的交流与启发中不断提高自己的演奏水平。我对我的钢琴演奏之旅充满了乐观和期待，并期望通过不断努力，能够探索出属于自己的音乐道路。
钢琴论文心得体会
钢琴，作为一种古老而又优雅的乐器，一直以来都备受瞩目。许多人热爱钢琴，梦想能够在琴键上舞动指尖的华尔兹。而在学习钢琴的过程中，我们不仅仅需要掌握音乐理论和演奏技巧，还需要通过文字来理论和分析各种音乐现象。钢琴论文成为了学琴之路上不可或缺的一环。在本文中，将分享一些我在撰写钢琴论文过程中所学到的心得和体会。
第二段：把握论文主题。
钢琴论文的写作前提是要把握好论文的主题。在进行论文写作之前，需要明确自己所要研究的问题或者主题。可以选择探讨某位作曲家的创作风格或是某首曲子的演奏技巧等。在明确了主题之后，我会展开相关的文献和乐谱的收集与阅读，以便了解更多背景信息和研究成果。
第三段：审视数据与主张。
在论文写作的过程中，对于所收集到的各种数据，在不只是单纯地陈列数据，而是要对其进行审视。从数据中分析出规律和特点，并将其与自己的主张进行联系和对比。例如，当我在讨论某位作曲家的创作风格时，需要通过数据分析找出他的音乐风格中的特点，并与其他作曲家进行对比。这样，不仅能够增加论文的可信度，也能够更好地体现自己的观点。
第四段：结论与展望。
在论文的最后一部分，需要对于所研究的主题进行总结并给出展望。在总结部分，我会简明扼要地回顾整篇论文的内容，并强调这个主题的重要性。同时，我也会提出一些自己对于这个主题未来可能的发展方向或者可以进行深入研究的问题。这样的结论和展望，能够让读者对于论文的意义和研究价值有更深入的了解，并激发他们的进一步思考。
第五段：个人心得与感悟。
通过撰写钢琴论文，我不仅仅是增加了对于钢琴音乐的了解，还培养了较强的批判性和分析性思维。在论文写作的过程中，我学会了如何从大量的信息中提炼出对于论题重要的内容，并加以理论分析和阐述。同时，我也逐渐熟悉了学术写作的规范和要求，提高了自己的写作能力。
总之，钢琴论文的撰写需要对所研究的主题有深入的了解，善于整理和分析数据，并能够提出独到的见解和观点。通过这个过程，我们不仅能够加深对钢琴音乐的理解和认知，还能够提升自己的学术能力和思维能力。希望将来有更多热爱钢琴的同学能够通过论文写作的方式深入研究和传承钢琴文化。
钢琴演奏与教学的论文
音乐教学论文：培养学生钢琴演奏中的音乐素养。
钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间，将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海，大脑马上会指挥手指在键盘上弹奏，耳朵还同时对演奏的声音进行检查，不断地调整和改进。一个学习音乐的人，不具备音乐素养就等于是一个机械地弹奏和歌唱的机器人，他就无法去理解音乐、懂得音乐、表现音乐。所以，培养音乐素养是为了全面提高学员的音乐综合素质，并且以此促进学员对专业科目的学习，增强对音乐的感悟、理解和创造能力。
一、基本技能的训练。
1.识谱训练。识谱训练的最终目的是要学生能够独立、正确、完整、高效地视奏程度适合的乐曲。我们要让学生在表演的状态下弹奏钢琴，而不是来回重复地进行简单练习。在教弹一首新曲子时，一些视奏技巧好的学生能以惊人的效率来迅速完成你所教的新课。而一些识谱和视奏能力差的学生，就可以明显地感觉到自己弹奏时的吃力。实际上，学生在弹奏时面临的困难主要有两个方面――乐谱和键盘。进一步说，读谱和弹奏都是识谱训练中的重要方面，不能有所偏废。片面地强调其中任何一方都无法达到良好的训练效果。
2.学生的基本技术训练。钢琴的技巧有很多，我以音阶、琶音的训练为例：第一个音是弹下去；弹后面的音时手指应提前做好触键准备，指端与键面不能过近。大指触键要独立，在移位时依赖手腕转移力量。在弹奏中，大指要寻求独立触键的空间，而手腕要有意的配合手指，自如、灵活地为手指提供最佳触键的位置，通过练习，找到手腕合理的动作状态。两种练习是一个循序渐进的.过程，刚开始时要慢练，渐渐地就可加快速度。
下面特别说一下“慢练”：
著名钢琴家雅科夫・弗莱尔认为：“慢速弹奏法犹如钟表匠手中的放大镜，它可以使练习一部作品的音乐家更仔细地看和听他们所弹的音乐，并能深入浸润作品中的每个细节和组成部分之中，从而完全知道并掌握这部作品。”因此，在初学一首曲子时，必须分手练、慢练。有的学生练琴经常不动脑筋，纯粹是机械般的弹奏，在练习一个难的乐段时表现更为明显。俗话说：“欲速则不达。”有时需要演奏者很慢地弹奏一首乐曲，以便巩固对某一部分的记忆。慢奏同样能帮助演奏者检查音符的准确性及句法：慢速弹奏时，如同看到慢放的电影一样，你能看到每一个细节，并同时加强了记忆，更清楚地看到不同的曲式与和声的组合等。慢练是钢琴学习中非常重要的一个部分，也是一种科学的练琴方法。
二、乐感的培养。
1.乐感的内涵。钢琴学习中的乐感培养是激发演奏灵感的基本前提，如果没有良好的乐感，演奏出的音乐就会平淡无奇。乐感其实就是在对音乐的体验中表现出来的强弱处理。
2.让学生课内课外多听好的作品。我们要让学生经常利用课余时间听不同的曲子。现在网络很方便，随时可搜索到自己需要的曲目――当然，也可购买碟子。钢琴是敲击发声的乐器，不擅长于歌唱性的发声，但钢琴又必须解决歌唱性的问题。多听歌唱家的演唱和弦乐演奏可以帮助我们增强乐感。像歌唱家一样地思考和感觉是很重要的。听力训练的主要内容之一就是要求学生学会“聆听”自己的琴声。所谓“聆听”，就是精神高度集中地用心去听，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合音乐内容的要求。可在弹琴时将自己弹奏的声音录下来，然后再放出来自己感受，找出问题。(论文范文)此外，还应重视视唱练耳课。这样能更全面、系统地提高听力水平，对弹琴大有益处。有机会的话，要多看现场演唱、演奏的音乐会，因为钢琴是表演艺术。舞台表演更能加深乐曲的感染力，特别是在指挥家富于变化和激情的手势下带动出的绚丽音乐，更能深深打动人的心灵，提高观看者的音乐感受能力。
三、提高学生的音乐表现力。
中国第一位在国际比赛上获奖的著名钢琴家周广仁教授指出：“学习钢琴只是一种手段，学到音乐知识、理解音乐、热爱音乐、表现音乐才是根本。”其实，在钢琴练习与表演中，呼吸的作用同样重要。合理处理好作品乐句，安排好音乐中的呼吸有利于音乐极富感情的表达，教师教学中应注意强调乐句气息的重要性，解决好演奏时呼吸与乐曲的吻合。我们要让学生懂得：弹琴和说话、唱歌一样，有呼吸、语气，有句子的长短，无论是活泼、欢快，还是婉转、优美、如歌的乐曲，都需要表现一定的内容，即使是简单的几个音也不是没有意思的。有的声音坚定有力，有的轻快、跳跃……乐句也有肯定及疑问等多种语气。当学生懂得这些以后，就会从他所弹奏的乐曲中找到这些感觉并尽力去表现出来。例如：弹《解放军进行曲》时，联想到队伍前进，就要弹得有精神、节奏鲜明，就不会慢吞吞、软弱无力地弹一些音符。弹不同风格的曲子，就要表现不同的意境，因此必须避免机械练习，毫无要求。
总之，钢琴演奏需要乐感与适当的技巧相结合，以情带声，融声以情。音乐与技术是辩证统一的关系。技术是基础，音乐表现是最终方向。钢琴教师的全部工作，实际是培养学生很有激情地演奏作品、表现音乐，要通过演奏把情感表达出来，做到人琴合一。我们只有深入生活、深入学生，把握钢琴教学的变化与规律，才能使钢琴教学尽可能地做到生活化、社会化、多元化与个性化，也才能使学生不断提高音乐素养和审美能力。
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钢琴演奏与教学的论文
钢琴演奏从发展至今已经经历了三百年左右的时间，并且在历史长河中不断地发展。钢琴艺术以独特的魅力和风采在世界各地引发了许多的欣赏者和追随者。从世界范围来看，钢琴是发展最为普及、认可程度最高的一种乐器。但对于无论是钢琴演奏的初学者，还是经过了长时间训练并拥有多次演出经验的乐师来说，都会出现或多或少的心理影响。钢琴演奏时需要演奏者将视觉、听觉、触觉乃至运动觉进行综合运用，并通过演奏者娴熟的技巧不断地将演奏者想表达的情感进行演奏。因此，在钢琴演奏的过程中，演奏者需要拥有强大的心脏和稳定的心理素质，不良的心理素质会影响钢琴演奏表演的质量。所以，在培养钢琴演奏者演奏技巧的同时，也应培养演奏者全面的艺术修养和心理素质。心理素质的培养离不开技术技能的建立，只有将技术技能提升到一定阶段，感情才会得以控制，若演奏者在演奏时担心自己的演奏技巧会不会出现问题时，心理素质的坍塌更为容易。钢琴演奏是艺术情感的一种表达方式，演奏者在演奏时全身心地投入到演奏的过程中，才能让观众体会到演奏者所想表达和传递的钢琴情感，从而使观众产生共鸣，得到观众的青睐和认可。钢琴演奏者应在每一次小型演奏会上充分体验并展现自我，以此练习自己的心理素质，防止日后表演的过程中出现怯场、紧张等情绪心理。
众所周知，钢琴演奏主要主要的两个方面是对钢琴技术的认知技能技术和演奏者对于所进行演奏的乐曲的情感所想表达的希望。钢琴演奏技巧熟练程度在于演奏者对于所演奏的乐曲的理解程度以及练习时的熟练程度；而钢琴演奏过程中的情感表达需要演奏者在表演过程中拥有强大的心理素质。影响心理因素的方面主要包括对于乐曲内在的想象能力以及直觉能力。钢琴演奏是将乐谱上的内容和自身对于乐曲的理解进行结合，并配合作者原本所想表达的情感相结合，将钢琴演奏者对乐章的熟练程度和技巧性通过演奏表现出来。钢琴演奏是个人情感和原作者情感相互交织碰撞后的情感表达，因此，演奏者在钢琴演奏过程中需要全身心地投入到整个演奏过程中。钢琴演奏艺术是时间和技巧性相结合的艺术，钢琴演奏艺术要使音乐创造性地被演奏者演奏出来。音乐作品和演奏者之间的关系不单单是某一种单一的元素而决定的，一个作品的完整程度，对于演奏者来说，是高于音阶、旋律和情绪的相结合的整体效果。
钢琴演奏具有深厚的艺术内涵，演奏者在钢琴演奏的过程中应达到内心、手和音准做到一致性。在演奏表演舞台上，演奏者应该具有良好的空间感，对空间的认知程度较高，并且对音乐技巧拥有较准确的掌控能力，演奏者较高音准性和较高的听觉能力为钢琴演奏者的演奏提供良好的帮助，从而让钢琴演奏者通过内心的指引带动手指进行钢琴乐谱的正确表达。优秀的心理素质是钢琴演奏情感的流露和流现，良好的心理素质是丰富情感的展示，钢琴演奏的过程是一种听觉的盛宴和情感体现的艺术情操，钢琴演奏者在演奏乐曲的过程中应全身心地将自身投入到所进行的表演中。这样进行的表演才可以更好的引起公众的共鸣。与此同时，拥有良好心理素质更有助于钢琴演奏家创新意识的激发。钢琴演奏不仅仅是演奏者对于乐曲的弹奏，而是对作品含义的解读后的二度创作。因此，钢琴演奏者随时客观地以端正的心态聆听自己的演奏，才能对其进行再构建。
四、培养调节心态的方法。
（一）保持随机的应变能力。
在钢琴练习过程中，演奏者的身体处于放松状态，并且放松自如，但在舞台上进行钢琴演奏表演时演奏者或多或少会带有一定的紧张和兴奋的心态，许多钢琴演奏者在练习时心理处于放松状态，演奏过程也稳定自如，但站在舞台上，台下坐着无数观众和评委，面对与平时练习相差悬殊环境状况，容易产生失控情绪，造成乐曲音符弹奏出现错误的情况，更有甚者因为紧张过度中止了自己的表演。相反，在钢琴演奏过程中，也有人拥有高涨的情绪，过分的想要在舞台上发挥自己，情绪过于兴奋造成了兴奋和抑制相互制约出现了偏差。因此，这些问题应在平时的心理素质训练中得到改善和解决。应将钢琴的教学过程与演奏过程相结合，培养钢琴演奏者在训练过程中寻找演奏的感觉，尽多可能的面对观众进行演奏，提高钢琴演奏者随机应变的能力。
（二）总结经验教训。
总结曾经的演出经验教训，为了更好地完成某一次重大表演任务，钢琴演奏家应很早就对演奏曲目进行练习和准备。经过长时间的练习，对作品的乐谱乐章达到了如指掌的状态。对于乐谱和乐章的熟悉可以让钢琴演奏者站在台上时不会对乐谱乐章产生紧张的心态，没有过多的顾虑和负担。钢琴演奏者在表演时可以将演奏时表达的情感充分释放。只有在表演者技术技巧达到一定程度时，表演者的表演无论是动作还是心态都可以充分的放松，做到对于舞台的表演无拘无束。钢琴演奏者不应该过于看重某一次表演的结果，钢琴表演者在学习、演奏钢琴的过程中会参加大大小小几十次甚至上百场的演奏活动，因此钢琴演奏者不应看重每次演奏的结果，应该认真吸取每次一表演时的经验，将优秀的经验进行总结，为以后大型演出做好准备。当然，如果在表演中有失败的经验也不应放弃演奏或者从此对钢琴演奏产生抵触心理。一次的失败不会对一个人有过大的`影响，但应该针对这次失利吸取教训，让经验和过程更好地帮助日后钢琴演奏者的演奏。毕竟钢琴演奏是一个长期的过程，在钢琴演奏者的职业生涯中，平衡好每一次演出的心态，每次演出的结束又是一次新的开始。如果过重看待演出成绩必定会影响下一阶段的练习乃至下一阶段的演出效果。因此，钢琴演奏者在演奏的过程中调整好自己的心态，总结好经验教训，这对于钢琴演奏的效果来说是十分必要的。
五、结论。
在完成上场前的心理准备后，还需要培养钢琴演奏者在实际演奏时的心理素质―以完形为目标的演奏心理。拥有以完形为目标的演奏心理使钢琴演奏者拥有最佳的状态和超强的意志力去控制、掌握自己的演奏技巧和情感表达，钢琴演奏者拥有平和的心态可以让演奏者全身心地投入到音乐的创作中来，使钢琴乐曲的演奏达到和谐的美感。与此同时，钢琴演奏者不应单一地掌握钢琴演奏的技巧，培养良好的钢琴音乐素养、提高钢琴乐曲的欣赏水平以及在实际生活中的灵活运用也是十分必要的。因此，钢琴演奏者拥有超高的钢琴演奏水平与其自身拥有超强的心理素质是分不开的。一个人的心理素质可以决定一个人的成败，若想取得钢琴音乐演奏的圆满成功，演奏者需要充分发挥自己的钢琴技巧以及自己超强的心理素质。
参考文献。
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钢琴演奏活动心得体会
钢琴演奏是一项艰巨的任务，需要演奏者不断努力和实践。为了提高自己的演奏水平和展现自己的才华，我积极参加了一次钢琴演奏活动。通过这次活动，我深深地感受到了钢琴演奏的魅力，也收获了很多宝贵的经验和感悟。
首先，我学会了更加专注于每一次的演奏。在演奏过程中，我不仅要注意音准，还要注重细节，如音色的变化、节奏的掌握等。通过反复练习和反思，我在演奏中逐渐形成了自己独特的风格和表达方式。当观众沉浸在我的音乐中时，我感受到了他们的专注和赞赏，这让我更加坚定了自己在音乐路上的前进方向。
其次，我明白了演奏是一种沟通和情感表达的方式。在表演过程中，我不仅要通过音乐传递自己的情感，还要与观众产生共鸣。这就需要我用心去理解和演绎每一首曲子的内涵，用自己的方式去解读它们。在演奏过程中，我努力将音符转化为音乐，用琴键深深触动听众的内心。当听众在演奏结束后报以热烈的掌声和赞叹时，我明白这是对我情感交流的最好回应。
再次，我感觉到了音乐的无限力量。音乐不仅可以给人带来欢乐，还可以治愈心灵的伤痛。在演奏中，我经常感到一种愉悦和快乐。尤其是在演奏一些流畅有力的曲子时，我觉得自己仿佛能够与音乐融为一体，忘却一切烦恼。而当我碰到一些悲伤或深情的曲子时，我便能够通过音乐倾诉内心的情感，让自己的心灵得到安慰和升华。
最后，我深信坚持和努力是取得进步的关键。钢琴演奏并非一蹴而就的，它需要我们全身心地投入和精益求精。在演奏活动中，我不断调整自己的状态和心态，不断超越自己，不断挑战自己的极限。当我经历了许多困难和挫折，最终达到了自己预期的效果时，我深深地明白到只要心怀信念，不断努力，就能够克服一切困难，实现自己的理想。
通过这次钢琴演奏活动，我认识到了自己在音乐中的潜能和无限可能性。我深化了对音乐的理解和热爱，更加坚定了追求音乐艺术的决心。我会继续努力学习和实践，不断提升自己的演奏水平，为大家呈现更好的音乐作品。同时，我也会积极参与更多的演奏活动，结交更多志同道合的音乐人，共同探索音乐的奥秘和无限魅力。我相信，在不久的将来，我能够在音乐的殿堂中留下自己的足迹，为世界带来更多美妙的音乐。
总之，钢琴演奏活动使我受益匪浅。通过这次活动，我不仅提高了自己的演奏水平，而且加深了对音乐的理解和热爱。我明白了演奏需要专注、情感和沟通，也体会到了音乐带给人们的欢乐和治愈。通过坚持和努力，我相信自己能够在音乐之路上取得更大的成就。我将继续努力学习和演奏，为世界带来更多美妙的音乐，书写自己的音乐篇章。
钢琴演奏心理素质及演奏心态培养论文论钢琴演奏中的心理调控
现代篮球比赛复杂多变，紧张激烈，许多违反规则动作隐蔽性强。如果没有良好的裁判技能和判断能力，常常会出现误判、漏判、错判或偏判，裁判员移动不到位、手势不规范等现象，影响比赛的顺利进行。甚至形成裁判表演的局面。篮球裁判员要高质量地完成裁判任务，不仅要具备良好的体能和裁判技能，还应具有敏捷，迅速、准确的心理判断能力。
裁判员良好的心理素质的形成和发展，与其所处的生活、工作环境和教育条件有直接的关系。一名篮球裁判员能否在比赛中自始至终保持稳定、冷静、沉着的心理状态，能否在应激状态下做出机智的反应，这与裁判员平时形成的心理素质分不开，本文以文献资料法就篮球裁判员的培养进行浅析。
1.“球感”的建立。
“球感”是在训练中发展起来的专门化知觉，是篮球裁判员的一项重要的心理技能，使裁判员能对球的形状、重量、弹性、空间变化，做出精细的分析，对球的运行速度、控球队员的运动状态，以及传球的方位等动态有十分精确的感知；以排除凭视觉判断的假象而做出准确的判断，因此，篮球裁判训练中，要求裁判员进行抛球、跑动、跟球等练习，以增加“球感”，使裁判员在比赛中对球的运动方位、空间状态、发展方向等判断自如，发挥出最好的裁判水平。
正如比赛中,中圈跳球后的移动配合动作，几乎没有一成不变的具体形式，甚至在比赛中出现的一个新的情况，很有可能在裁判训练中没有出现过，在特殊情况下，能找到自由灵活度，这与篮球裁判员以“球感”的掌握程度密切相关。因此，篮球裁判员的“球感”是裁判员技术水平获得高度发展并出现高水平的`重要心理技能。它不但能使动作变得灵活自如，而且是获得高超裁判技术的重要心理因素。
2“.注意力”的集中练习。
注意力集中是坚持全神贯注于一个确定目标，不为其它内外刺激的干扰而产生分心的能力。面对比赛，裁判员不能像观众一样观赏比赛的精彩的技术和战术配合所干扰，而应保持清醒的头脑，摆正自己的位置，积极、公正、准确的执法，确保比赛的顺利进行。因此在裁判员的心理素质训练中，应注重注意集中的训练。
注意品质是篮球裁判员必须着重培养的一种心理素质，在裁判工作中，准确迅速、有效的判断离不开高度的注意力。裁判注意技巧的培养，主要在技能训练和正式比赛中，有意识地分出注意的层次和目标。例如，在犯规和违例中，应重点选择犯规来注意，在犯规方面，应重点选择篮下的侵人犯规与对投篮队员的犯规。然后转移目标，重点选择有球区域攻守对抗中的犯规和无球队员的犯规。最后将注意力转移到违例判罚上来。
这种分层次，有重点，有目标的注意技巧可以训练裁判员的注意选择性，指向性和注意的有序分配能力。使裁判员注意的目标明确，重点突出，注意分配和转移定时合理，能克服“什么都想抓，什么都抓不住”的不良心理，从而提高裁判员的心理素质。
3注重表象训练。
表象训练是体育运动领域最常用的一种心理训练方法。表象训练有利于建立和巩固正确的动作的动力定型，有助于加快动作熟练和加深动作记忆。在篮球裁判工作中，裁判员的手势动作及相应的速度和准确性是反映裁判员水准的一个重要方面，裁判员手势的好坏对运动员有着明显的影响，及时，规范的手势能树立“法官”的威信，因此裁判动作是裁判工作的一个重要内容。
利用裁判训练中，规范手势图片进行手势的逐一练习，从而专门使用运动训练来强化动作表象，由于操作必须依赖于大脑中储存的动作图片，而通过符号学习，可以在大脑内建立或巩固动作图式，将动作编译为符号部件，并在此基础上，通过多次练习即认知编码，建立有用的图式，消退无用的图式。例如，在判罚停止计时钟动作练习时给裁判员这样的暗示：“立即鸣哨，面对犯规队员，判罚动作姿势，一拳紧握上举，一手平举指向腰部，并记下犯规队员的号码，报告记录台。”
在比赛中，将裁判动作在头脑中先“过电影”，如同事先编写的电脑程序般，将规范的手势呈现在运动员和记录台面前。
4执法时信心的树立。
心理学家认为，人的心理状态，个性特点能直接影响生理过程的变化，有的裁判员临场时，由于心理紧张，胆小，引起思维混乱，全身虚汗，哨音越吹越小等，直接干扰裁判员水平的正常发挥。
篮球裁判员的良好个性心理特征一方面通过经验积累逐渐形成，一方面可以通过有效的心理训练来加强。然而，形成良好的个性心理，消除情绪的有效方法是信心的培养和训练。平常强化自我角色的意识，相信自己的技能发挥，心理上把自己立刻划为勇敢高大威严的球场“法官”形象，培养出有良好技术风格的裁判员。临场前与技术代表的讨论，对新规则的探讨，对新旧规则的争议问题进行讨论，这种职业习惯以对临场信心的增强有着积极的作用。
在进行裁判心理训练时，克服过度紧张的重要方法是通过认知训练，使学生对比赛有正确的心理定向，使对面临场裁判任务有清楚的理解，有积极的执法动机，对自己势力充满信心。临场执法时要排除心理障碍，排除外界应激的干扰，不断地从主观上，进行自我情感和自我意识的强化，使之适应客观需要。
教学指导思想是教学活动的根本方向和目标问题，在篮球裁判员教学中，应从球感的建立，注意力的集中转移，表象训练的重视，信心的树立等方面着手，使每位篮球裁判员的打手势动作舒展，判罚姿势规范，面部表情柔和。能够在运动员和观众心中产生一种威望。从而确保篮球运动技术，战术水平和发挥和比赛的效果。综上所述篮球裁判员的心理素质则又直接影响着裁判水平，因此良好的心理素质的培养，是篮球裁判员顺利完成裁判任务，展现良好裁判技巧的必要条件。
参考文献。
1全国体院教材委员会《篮球》北京：人民体育出版社1990。
2马启伟体育心理学北京：高等教育出版社1995。
3中国篮球协会篮球竞赛规则（1998----2002）光明时报出版社。
4马启伟竞技体育创新论北京：北京体育大学出版社1996。
5张彩篮球教练员的问答北京：人民体育出版社1995。
钢琴教学中双钢琴演奏技能探究论文
音乐教学论文：培养学生钢琴演奏中的音乐素养。
钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间，将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海，大脑马上会指挥手指在键盘上弹奏，耳朵还同时对演奏的声音进行检查，不断地调整和改进。一个学习音乐的人，不具备音乐素养就等于是一个机械地弹奏和歌唱的机器人，他就无法去理解音乐、懂得音乐、表现音乐。所以，培养音乐素养是为了全面提高学员的音乐综合素质，并且以此促进学员对专业科目的学习，增强对音乐的感悟、理解和创造能力。
一、基本技能的训练。
1.识谱训练。识谱训练的最终目的是要学生能够独立、正确、完整、高效地视奏程度适合的乐曲。我们要让学生在表演的状态下弹奏钢琴，而不是来回重复地进行简单练习。在教弹一首新曲子时，一些视奏技巧好的学生能以惊人的效率来迅速完成你所教的新课。而一些识谱和视奏能力差的学生，就可以明显地感觉到自己弹奏时的吃力。实际上，学生在弹奏时面临的困难主要有两个方面――乐谱和键盘。进一步说，读谱和弹奏都是识谱训练中的重要方面，不能有所偏废。片面地强调其中任何一方都无法达到良好的训练效果。
2.学生的基本技术训练。钢琴的技巧有很多，我以音阶、琶音的训练为例：第一个音是弹下去；弹后面的音时手指应提前做好触键准备，指端与键面不能过近。大指触键要独立，在移位时依赖手腕转移力量。在弹奏中，大指要寻求独立触键的空间，而手腕要有意的配合手指，自如、灵活地为手指提供最佳触键的位置，通过练习，找到手腕合理的动作状态。两种练习是一个循序渐进的.过程，刚开始时要慢练，渐渐地就可加快速度。
下面特别说一下“慢练”：
著名钢琴家雅科夫・弗莱尔认为：“慢速弹奏法犹如钟表匠手中的放大镜，它可以使练习一部作品的音乐家更仔细地看和听他们所弹的音乐，并能深入浸润作品中的每个细节和组成部分之中，从而完全知道并掌握这部作品。”因此，在初学一首曲子时，必须分手练、慢练。有的学生练琴经常不动脑筋，纯粹是机械般的弹奏，在练习一个难的乐段时表现更为明显。俗话说：“欲速则不达。”有时需要演奏者很慢地弹奏一首乐曲，以便巩固对某一部分的记忆。慢奏同样能帮助演奏者检查音符的准确性及句法：慢速弹奏时，如同看到慢放的电影一样，你能看到每一个细节，并同时加强了记忆，更清楚地看到不同的曲式与和声的组合等。慢练是钢琴学习中非常重要的一个部分，也是一种科学的练琴方法。
二、乐感的培养。
1.乐感的内涵。钢琴学习中的乐感培养是激发演奏灵感的基本前提，如果没有良好的乐感，演奏出的音乐就会平淡无奇。乐感其实就是在对音乐的体验中表现出来的强弱处理。
2.让学生课内课外多听好的作品。我们要让学生经常利用课余时间听不同的曲子。现在网络很方便，随时可搜索到自己需要的曲目――当然，也可购买碟子。钢琴是敲击发声的乐器，不擅长于歌唱性的发声，但钢琴又必须解决歌唱性的问题。多听歌唱家的演唱和弦乐演奏可以帮助我们增强乐感。像歌唱家一样地思考和感觉是很重要的。听力训练的主要内容之一就是要求学生学会“聆听”自己的琴声。所谓“聆听”，就是精神高度集中地用心去听，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合音乐内容的要求。可在弹琴时将自己弹奏的声音录下来，然后再放出来自己感受，找出问题。(论文范文)此外，还应重视视唱练耳课。这样能更全面、系统地提高听力水平，对弹琴大有益处。有机会的话，要多看现场演唱、演奏的音乐会，因为钢琴是表演艺术。舞台表演更能加深乐曲的感染力，特别是在指挥家富于变化和激情的手势下带动出的绚丽音乐，更能深深打动人的心灵，提高观看者的音乐感受能力。
三、提高学生的音乐表现力。
中国第一位在国际比赛上获奖的著名钢琴家周广仁教授指出：“学习钢琴只是一种手段，学到音乐知识、理解音乐、热爱音乐、表现音乐才是根本。”其实，在钢琴练习与表演中，呼吸的作用同样重要。合理处理好作品乐句，安排好音乐中的呼吸有利于音乐极富感情的表达，教师教学中应注意强调乐句气息的重要性，解决好演奏时呼吸与乐曲的吻合。我们要让学生懂得：弹琴和说话、唱歌一样，有呼吸、语气，有句子的长短，无论是活泼、欢快，还是婉转、优美、如歌的乐曲，都需要表现一定的内容，即使是简单的几个音也不是没有意思的。有的声音坚定有力，有的轻快、跳跃……乐句也有肯定及疑问等多种语气。当学生懂得这些以后，就会从他所弹奏的乐曲中找到这些感觉并尽力去表现出来。例如：弹《解放军进行曲》时，联想到队伍前进，就要弹得有精神、节奏鲜明，就不会慢吞吞、软弱无力地弹一些音符。弹不同风格的曲子，就要表现不同的意境，因此必须避免机械练习，毫无要求。
总之，钢琴演奏需要乐感与适当的技巧相结合，以情带声，融声以情。音乐与技术是辩证统一的关系。技术是基础，音乐表现是最终方向。钢琴教师的全部工作，实际是培养学生很有激情地演奏作品、表现音乐，要通过演奏把情感表达出来，做到人琴合一。我们只有深入生活、深入学生，把握钢琴教学的变化与规律，才能使钢琴教学尽可能地做到生活化、社会化、多元化与个性化，也才能使学生不断提高音乐素养和审美能力。
【参考文献】。
1.周广仁、莫蕴慧主编：《钢琴艺术》。
2.周彦：《人声与钢琴的完美艺术》，中国音乐学院学报，2012年01期。
3.代百生：《钢琴教与学的心理训练》[j]，钢琴艺术，2000（3）。
4.曹静：《钢琴弹奏技巧与音乐表现间的关系》，湖南科技学院学报，2008年10期。
5.曹云：《浅议幼师钢琴教学》[j]，新课程学习（中学），2009年05期。
7.林振纲：《论钢琴学习（一）》[j]，北京：钢琴艺术，2008（10）。
8.陈海龙：《论钢琴乐感与演奏灵感的培养》，《黄河之声》，2011年3期。
9.陆晨曦：《如何强化学生钢琴演奏中的音乐表现力》，新课程研究，2012年02期。
谈钢琴演奏之音乐的美论文
所谓“试奏”，即对音乐作品不经预习就能视谱即奏的技能，它是钢琴学习过程中的一项重要环节。掌握正确的试奏方法，不仅能提高钢琴学习的效率，还能提高习琴者的钢琴演奏水平，培养其良好的音乐素养。
(一)认真读谱，内心唱谱。阅读是学习的最基本能力，乐谱作为传递音乐信息的载体，是钢琴演奏者最直接的认识对象。面对一首新作品，我们首先要弄清乐曲名称，熟悉作曲家的创作风格;其次，在弹奏前要看清谱号、调号、拍号、速度及表情术语。许多初学者在弹奏新作品前，缺少认真读谱这一关键步骤，往往上来就弹，一弹就错，导致各种问题接踵而至，如：高音谱号看成低音谱号、d大调看成c大调、该断奏的弹成连奏、乱用指法使乐句无法连在一起等。这些问题的产生，都源于缺乏对读谱能力的训练。由于缺少这种训练，造成对调性的感知力不够敏感，即使弹错了自己都无法意识到。再就是不认真计算时间，导致节奏上的混乱。面对这些问题，只要我们在弹奏前认真读谱，大多数错误都是可以规避、减少的`。视奏之前，我们需要做的第二个准备工作就是内心唱谱，通过唱谱可以了解音乐的大体风格，了解音乐的走向，了解乐句的划分，同时，还可以在头脑中对乐句指法的设计有一个基本的构思，在接下来的试奏过程中才能将注意力稍放些在音色、力度、速度、音乐表现上。做好认真读谱、内心唱谱，试奏将会在准确性上更上一个台阶。
(二)熟悉键盘，提前看谱。提高试奏能力的另一个重要因素是熟悉钢琴键盘，即手指对键盘空间距离感的把控。这种把控并非三两天就能掌握的，而是一个长期练习积累的过程，需要依靠常年弹奏钢琴所建立的视觉、听觉及运动反应。当然，极其精确的时间配合也是必不可少的。视奏的过程中，眼睛要走在手指的前面，提前看下一小节，留有提前量，才能使视奏时的音乐作品更为连贯。
二、有效的练习方式。
(一)采用正确的练琴方法。练习方法的正确与否将直接影响到钢琴学习效率的高低。在练习过程中首先要明确学习目标，找出重难点来单独练习。除此之外，在练琴时可以根据不同种类的技能和难度采用双手合练、单手练习、分段练习、改变速度和节奏等不同的练习方法。
(二)合理分配练习时间。钢琴学习水平的提高需要足够的练琴时间和练琴次数作保证，但并不是说练琴时间和次数越多就越好。只有练琴时间和次数分配得当，才能收到良好的练习效果。对于儿童，每次练习时间不宜过长，但次数可以稍多一些，这样既符合儿童注意力集中时间较短的特性，也能够提高儿童的练琴质量。而成年人则相反，每次练习的时间可长一些，次数则少一些。
三、听觉能力的培养。
听觉是与生俱来的，但对于音乐中的听觉(如：听节奏、听音高、听音乐风格等)却不是每个人天生就有的，这是一种需要长期训练才具备的听觉能力。对于习琴者而言，训练自身高度鉴别力和欣赏力的听觉能力是至关重要的。但许多学生在钢琴练习中却忽略了听觉的存在，把练习与听觉割裂开来。作为教师，不仅要培养学生的外部听觉能力，还要培养学生丰富的音乐想象力，帮助其建立良好的内心听觉能力。
(一)对外部听觉能力的培养。“音乐外部听觉，也叫普通听觉或实音听觉，是外部音响对人的听觉器官刺激而引起的生理反应。”如视唱练耳、聆听音响资料及现场演奏等。提高自身的外部听觉能力，要在聆听音响资料、现场演奏时，分析比较不同演奏家的演奏风格，体味美的声音，并把美的声音牢记于心。在倾听自己的演奏时，要时刻用耳朵鉴别声音的质量，及时调整弹奏的方法。这种对外部听觉能力有意识、有目的的训练能够为之后内心听觉能力的培养打下良好的基础，因为内心听觉的形成正是建立在外部听觉感知基础之上的。
(二)对内心听觉能力的培养。“内心听觉是一种内心表象，是一种不依赖音响，仅凭记忆表象和思维而准确地构成内心音乐意象的能力。”内心听觉能力是习乐者通过长期学习积累的听觉经验，培养内心听觉能力的方法有两种：慢速演奏乐曲和“点线”法演奏音乐作品。日常学习过程中，我们可以运用这些方法有意识地培养自身的内心听觉能力，也可以在弹奏乐曲之前，对乐曲所发出的音响效果有所预知、有所想象，因为通过精心审视弹奏出来的音色，更为完美，更具有感染力。
四、
通过对以上三点问题的分析，笔者用几个词概括提高钢琴演奏水平的方法：认真、用心、勤思考。认真即读谱认真;用心是要用心聆听感受音乐;勤思考则是要善于总结，对自己的钢琴学习有所规划。习琴者如能深入思考理解这些问题，笔者相信其钢琴演奏水平的提高将会有质的飞跃。
钢琴演奏与教学中的音色论文
摘要:“内心听觉”在整个钢琴演奏和学习中发挥着非常重要的作用,钢琴演奏不能光重视训练手指的技术能力,而忽视了内心听觉能力的训练,本文以内心听觉的培养在钢琴演奏中的训练为出发点,结合本人多年来钢琴学习的心得,把内心听觉的培养贯穿整个钢琴学习过程,让更多的钢琴学习者能够注重内心听觉能力在钢琴学习中的发展和培养。
关键词:内心听觉;重要性;培养;训练。
近年来,“内心听觉”这个词在音乐界备受关注,内心听觉是一种音乐能力,它在音乐演奏中发挥着越来越重要的作用,音乐是听觉的艺术,学习音乐,尤其是学习钢琴演奏,拥有敏锐的音乐听觉能力是至关重要的。音乐要靠听觉来欣赏,音乐技艺的程度水平也要靠听觉来辨别。李斯特曾经说过“用心灵创造技术”,就是指演奏家的技术是植根于自己的内心深处的,把一首作品演奏成功,并不是只解决了技术问题就可以了,高质量的音色及对作品的表现和理解都是同时必须要做好的,根据研究认为,通常人们都具有不同程度的内心听觉能力,这种能力经过专门的训练可以逐步提高,而这种能力的提高又有助于提高理解音乐的能力,因此,我们必须始终把内心听觉能力作为钢琴演奏学习的重要组成部分。
一、内心听觉的含义及重要性。
(一)内心听觉的含义。
内心听觉能力是一种音乐能力,是一种构成内心音乐形象的能力,它不受外界声音的影响,以音乐感知为基础,以完善音乐意象为目的,不依赖于乐器和人声想象出来的音响,它具有先导与创造能力。内心听觉是音乐家最重要的音乐听觉能力之一,内心听觉的发达程度决定着音乐家内在的音乐想象力反映真实的.音乐现象的能力。内心听觉在钢琴演奏中的心理活动分为两个部分:听觉意象的形成和听觉意象指导演奏,因此在学习的过程中要从两个方面着手:一是随着听觉意象的不断完善形成内心听觉;二是让内心听觉发挥作用即通过形成的听觉意象指导并调整实际演奏效果。
在平时的钢琴练习过程中,内心听觉起着主导作用,练习时如果没有内心听觉的支持,弹出的音乐就会显得苍白无力,缺乏艺术感染力,所以演奏者在演奏过程中必须要在内心形成自己想要的音色、速度及力度等,并在练习的过程中通过对自己身体及手指触键角度的调整来达到自己所满意的音响效果。
二、内心听觉的培养及训练。
内心听觉的心理过程主要通过听觉意象来体现,因而训练听觉意象能力的提高对内心听觉能力的提高有着直接的影响。内心听觉能力的培养是一个循序渐进的过程,为了比较有效的提高内心听觉的水平,这里介绍几种专门的训练方法:。
(一)“歌唱”训练。
著名钢琴家格伦・古尔德在弹奏钢琴的过程中,不仅会专注的演奏,口中还跟随着旋律哼唱,忘我的投入到演奏中,这种哼唱弹奏的方式是一种学习和理解音乐的比较有效的方法。钢琴是富有歌唱性的乐器,演奏者的内心歌唱能力的水平决定演奏出音乐的优美程度,只有通过歌唱旋律等方式来培养和发展这方面的能力,才能逐步提高内心听觉能力,从而感悟音乐的歌唱旋律性,把作品弹的“有血有肉”。
(二)“想象”训练。
音乐想象是以音乐意象为基础的,内心听觉的形成也要靠音乐想象来形成,音乐想象能力的提高是发展内心听觉的关键。钢琴演奏是把人类生活中的实物,如高山、河流等和人类情感中喜悦、悲愤等化作声音来表达出来,人们在生活中接触到的事物,大都与声音有着紧密的联系,使演奏者对对所接触的事物进行想象,通过想象与音乐音响融合,从而产生音乐听觉形象,这种音乐听觉形象在很大程度上依赖于音乐听觉经验。
(三)“冥听”训练。
冥听是指演奏者在演奏前事先听到自己内心第一流的整个演奏效果的能力,这需要演奏者具有一定的音乐积累和音乐感觉,冥听水平的高低决定了演奏水平的高低,冥听一般经过“树立声音标准”、“模仿杰出声音”、“创造新的声音”这三个过程,在脑中积累了丰富的音响材料之后,要努力在内心形成自己所要的音响效果,演奏者应将自己的演奏效果和内心听觉听到的效果进行对比,在练习的过程中逐步缩短两者之间的差距,这对于演奏者的演奏质量有着显着的作用。
总之,音乐是听觉的艺术,内心听觉又是音乐听觉的核心。通过听觉想象的训练可以有效地提高内心音乐听觉能力,培养和发展钢琴演奏者的内心听觉能力就是让演奏者有较高质量的听觉感知能力,精确的把握对音乐作品的表现和理解,提高音乐的表现力。内心听觉在钢琴演奏中具有至关重要的地位,对音乐有着举足轻重的影响,也应是每一位钢琴演奏者必须强化训练的重要基础。
参考文献:[1]赵晓生.钢琴演奏之道[m].世界图文出版社,1999.
钢琴演奏与教学中的音色论文
钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间，将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海，大脑马上会指挥手指在键盘上弹奏，耳朵还同时对演奏的声音进行检查，不断地调整和改进。一个学习音乐的人，不具备音乐素养就等于是一个机械地弹奏和歌唱的机器人，他就无法去理解音乐、懂得音乐、表现音乐。所以，培养音乐素养是为了全面提高学员的音乐综合素质，并且以此促进学员对专业科目的学习，增强对音乐的感悟、理解和创造能力。
一、基本技能的训练。
1.识谱训练。识谱训练的最终目的是要学生能够独立、正确、完整、高效地视奏程度适合的乐曲。我们要让学生在表演的状态下弹奏钢琴，而不是来回重复地进行简单练习。在教弹一首新曲子时，一些视奏技巧好的学生能以惊人的效率来迅速完成你所教的新课。而一些识谱和视奏能力差的学生，就可以明显地感觉到自己弹奏时的吃力。实际上，学生在弹奏时面临的困难主要有两个方面――乐谱和键盘。进一步说，读谱和弹奏都是识谱训练中的重要方面，不能有所偏废。片面地强调其中任何一方都无法达到良好的训练效果。
2.学生的基本技术训练。钢琴的技巧有很多，我以音阶、琶音的训练为例：第一个音是弹下去；弹后面的音时手指应提前做好触键准备，指端与键面不能过近。大指触键要独立，在移位时依赖手腕转移力量。在弹奏中，大指要寻求独立触键的空间，而手腕要有意的配合手指，自如、灵活地为手指提供最佳触键的位置，通过练习，找到手腕合理的动作状态。两种练习是一个循序渐进的.过程，刚开始时要慢练，渐渐地就可加快速度。
下面特别说一下“慢练”：
著名钢琴家雅科夫・弗莱尔认为：“慢速弹奏法犹如钟表匠手中的放大镜，它可以使练习一部作品的音乐家更仔细地看和听他们所弹的音乐，并能深入浸润作品中的每个细节和组成部分之中，从而完全知道并掌握这部作品。”因此，在初学一首曲子时，必须分手练、慢练。有的学生练琴经常不动脑筋，纯粹是机械般的弹奏，在练习一个难的乐段时表现更为明显。俗话说：“欲速则不达。”有时需要演奏者很慢地弹奏一首乐曲，以便巩固对某一部分的记忆。慢奏同样能帮助演奏者检查音符的准确性及句法：慢速弹奏时，如同看到慢放的电影一样，你能看到每一个细节，并同时加强了记忆，更清楚地看到不同的曲式与和声的组合等。慢练是钢琴学习中非常重要的一个部分，也是一种科学的练琴方法。
二、乐感的培养。
1.乐感的内涵。钢琴学习中的乐感培养是激发演奏灵感的基本前提，如果没有良好的乐感，演奏出的音乐就会平淡无奇。乐感其实就是在对音乐的体验中表现出来的强弱处理。
2.让学生课内课外多听好的作品。我们要让学生经常利用课余时间听不同的曲子。现在网络很方便，随时可搜索到自己需要的曲目――当然，也可购买碟子。钢琴是敲击发声的乐器，不擅长于歌唱性的发声，但钢琴又必须解决歌唱性的问题。多听歌唱家的演唱和弦乐演奏可以帮助我们增强乐感。像歌唱家一样地思考和感觉是很重要的。听力训练的主要内容之一就是要求学生学会“聆听”自己的琴声。所谓“聆听”，就是精神高度集中地用心去听，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合音乐内容的要求。可在弹琴时将自己弹奏的声音录下来，然后再放出来自己感受，找出问题。(论文范文)此外，还应重视视唱练耳课。这样能更全面、系统地提高听力水平，对弹琴大有益处。有机会的话，要多看现场演唱、演奏的音乐会，因为钢琴是表演艺术。舞台表演更能加深乐曲的感染力，特别是在指挥家富于变化和激情的手势下带动出的绚丽音乐，更能深深打动人的心灵，提高观看者的音乐感受能力。
三、提高学生的音乐表现力。
中国第一位在国际比赛上获奖的著名钢琴家周广仁教授指出：“学习钢琴只是一种手段，学到音乐知识、理解音乐、热爱音乐、表现音乐才是根本。”其实，在钢琴练习与表演中，呼吸的作用同样重要。合理处理好作品乐句，安排好音乐中的呼吸有利于音乐极富感情的表达，教师教学中应注意强调乐句气息的重要性，解决好演奏时呼吸与乐曲的吻合。我们要让学生懂得：弹琴和说话、唱歌一样，有呼吸、语气，有句子的长短，无论是活泼、欢快，还是婉转、优美、如歌的乐曲，都需要表现一定的内容，即使是简单的几个音也不是没有意思的。有的声音坚定有力，有的轻快、跳跃……乐句也有肯定及疑问等多种语气。当学生懂得这些以后，就会从他所弹奏的乐曲中找到这些感觉并尽力去表现出来。例如：弹《解放军进行曲》时，联想到队伍前进，就要弹得有精神、节奏鲜明，就不会慢吞吞、软弱无力地弹一些音符。弹不同风格的曲子，就要表现不同的意境，因此必须避免机械练习，毫无要求。
总之，钢琴演奏需要乐感与适当的技巧相结合，以情带声，融声以情。音乐与技术是辩证统一的关系。技术是基础，音乐表现是最终方向。钢琴教师的全部工作，实际是培养学生很有激情地演奏作品、表现音乐，要通过演奏把情感表达出来，做到人琴合一。我们只有深入生活、深入学生，把握钢琴教学的变化与规律，才能使钢琴教学尽可能地做到生活化、社会化、多元化与个性化，也才能使学生不断提高音乐素养和审美能力。
【参考文献】。
1.周广仁、莫蕴慧主编：《钢琴艺术》。
2.周彦：《人声与钢琴的完美艺术》，中国音乐学院学报，01期。
3.代百生：《钢琴教与学的心理训练》[j]，钢琴艺术，2000（3）。
4.曹静：《钢琴弹奏技巧与音乐表现间的关系》，湖南科技学院学报，10期。
5.曹云：《浅议幼师钢琴教学》[j]，新课程学习（中学），05期。
6.李远彬：《论钢琴教学中音乐感觉培养的策略》[j]，成都教育学院学报，08期。
7.林振纲：《论钢琴学习（一）》[j]，北京：钢琴艺术，（10）。
8.陈海龙：《论钢琴乐感与演奏灵感的培养》，《黄河之声》，3期。
9.陆晨曦：《如何强化学生钢琴演奏中的音乐表现力》，新课程研究，2002期。
钢琴演奏与教学的论文
在音乐实践中，钢琴演奏不但是一个非常重要的环节，还作为美的艺术而宣扬美学的思想。从音乐美学这个角度出发，钢琴演奏作为一种十分重要的方式对音乐作品中美的品质进行表达。钢琴演奏的过程也是基于作品本身的二次创作过程，钢琴演奏者应该在每次表演过程中对音乐作品进行二次创造，从而将钢琴演奏艺术美学创新性地演绎出来。音乐美学的应用，有利于演奏者和听众对音乐作品本身的美学特点以及艺术品质进行更好的理解。在钢琴演奏的过程中，会体现出丰富多彩的音乐美学思想，传达给听众以听觉上的美感。钢琴演奏对音乐作品的二次创作，能够将艺术家的思想和音乐作品有机地结合起来，并通过演奏者的个性风格表现出来，让听众心情愉悦，以情感人。本文运用美学的思想，指出音乐美学对钢琴演奏的指导作用，并对如何加强美学知识的运用进行探讨。
（一）有利于协调钢琴演奏的创造性和忠实性的统一。
通过二次创作，钢琴演奏给音乐作品赋予了新的艺术价值和艺术生命，从根本上说，钢琴演奏应该同时具有创造性和忠实性。因此，钢琴艺术家在进行艺术创作和表演的时候，既要根据音乐作曲家原有的创作精神将其整个音乐作品进行完整的再现，也需要通过钢琴艺术家自身对音乐的认识和感知，对音乐作品进行创造性的再现，这就需要表演者能够正确地把握对音乐作品忠实性和创造性的协调统一。钢琴演奏的忠实性主要体现在钢琴演奏要忠实于原谱，艺术思想也要忠实于原谱。钢琴演奏的创造性则是指钢琴家在二次创作的过程中，通过自身对作品的体验和认识，将自己的一些情感加入到原先的音乐作品当中，赋予音乐作品新的生命。这种创造既要忠于原谱，但又将新的音乐艺术个性充分体现出来。钢琴音乐作品一般都会在一定的历史条件、民族文化或者社会背景下才能诞生，它的原创作者所处的生活环境和现在不一样，使得作曲家原创与第二次创作之间存在一定的差异性，也就使得钢琴演奏具有一定的创造性。在钢琴家对音乐作品进行二度创作时，一定会使作品体现出其主观推论思维。因此，该钢琴家在演奏的过程中，就会无法避免地将自己的情感以及审美意识，甚至审美趣味都掺入到音乐演奏中。但是，每位钢琴家都有一个音乐追求，就是希望在钢琴演奏的过程中，将自己的艺术创造个性充分展现出来。同时，这也意味着钢琴家的演奏艺术逐渐走向成熟。这就表明钢琴家已经深入地认识了音乐作品，也说明了演奏者对音乐作品有了独到见解。这种富有个性的艺术表演并不是对原创的背离，而是对原创的一种深入和升华。钢琴演奏不能与忠实性相脱离，也不可以没有创造性，钢琴演奏理应是由忠实性原则和创造性原则相结合而形成的。如果在钢琴家进行二度创作时，其基础是忠实性原则，那么钢琴家进行二度创作的升华就是创造性原则。音乐美学原则的应用可以极大地提高钢琴演奏的创造性和忠实性的统一与协调。
（二）历史性和时代性相统一。
在钢琴演奏过程中，将历史性和时代性统一起来，也是音乐美学的一种应用。实现历史性和时代性相统一，即为音乐作品特定的历史风格和钢琴演奏者所处时代精神相统一。在一定的历史条件下，音乐作品一旦被创作出来，就一定会将当时创作者所处历史时代的音乐风格保留下来。一个真正的钢琴演奏者应该站在历史的.角度去将音乐作品的风格把握好，而且还应该努力将该音乐作品的风格真实而完美地还原，向观众展示。演奏者应该尽自己最大的可能，结合自己的生活时代特征，赋予音乐作品新的时代含义，将自己化身为音乐作品的再创造者，与之同命运、共呼吸。这样就可以将音乐作品真实地还原，又能对音乐作品进行再造，使之具有明确的社会意义。如果钢琴演奏者并没有关注音乐作品产生的历史年代，也没有对其特定的历史风格给予足够的重视，就不能将该音乐作品的真实内容体现出来，也不能够将音乐作品与时代特征结合起来。因此，钢琴演奏者必须对音乐作品进行历史背景的相关分析，将音乐作品的来龙去脉都理清，从而能够将音乐作品的历史风格进一步还原。但是钢琴演奏具有一定的复杂性，哪怕是对历史作品进行演奏，钢琴演奏者也无法与自己所处时代完全脱离。因此，钢琴演奏者会不自觉地将自己的演奏与时代特征相联系，给音乐作品加上时代的影子，用当代的眼光去审视历史，必然需要音乐美学的知识来帮助演奏者审视作品的历史风格与时代精神之间存在的联系。
在钢琴演奏过程中，人们对其历史性和时代性的结合所持的观点不一样。有的人认为，在钢琴演奏中，其风格的纯正性以及历史性更加重要。但是有的人却认为应该强调演奏风格的独创性与现代性。而在音乐表演中，按照其美学原则与理想，应该坚持钢琴演奏历史性和时代性相统一。如果钢琴演奏者对音乐作品历史风格并不重视，只是片面地强调时代精神，或者是拘泥于作品的历史风格，终不能体现出音乐作品的真实价值。我们应该将钢琴演奏与音乐美学原则相结合，为历史性和时代性寻找一个平衡点，从而使得历史性与时代性之间统一和协调。
（三）艺术性与技术性相统一。
钢琴家要能够被广大听众所接受，就应该拥有比较高超的钢琴演奏技巧。一个钢琴家不可能在钢琴演奏技术并不高超的情况下还能将高水平的音乐作品演奏出来。只是演奏技巧并不是高水平音乐作品的唯一条件。任何一个钢琴家想要得到观众的喜爱，就必须将钢琴演奏技术跟完美的艺术表现相结合。钢琴演奏的技术性是指钢琴家将乐谱符号与现实音响之间进行转化的中间环节，也是钢琴家进行音乐作品的演奏不能缺少的技巧。因为钢琴具有比较特殊的构造，其钢琴演奏艺术都是经过大脑认知系统中的心理操作能力与手指运动系统的生理操作能力一起作用来完成的，这两者可以实现音乐符号与音乐表达之间的物化过程。而钢琴演奏的艺术性即为一个钢琴演奏者在完成技术的过程中表现出来的一种音乐表现力，一般都会体现在对音乐作品的旋律和节奏、和声与踏板等等因素的控制方面。其中，音乐的旋律是对音乐美的塑造的关键，而和声则是对音乐美的色彩的一种塑造，节奏和踏板分别可以塑造音乐美的形式、音乐美的灵魂。钢琴家只有将上述因素完全掌握，才能正确掌握音乐作品的内涵，呈现出多层次、多色彩以及多力度的音乐效果，从而将钢琴家对所演奏的音乐作品中的艺术内涵完美诠释出来。实现艺术性和技术性的协调与统一是音乐美学在钢琴演奏中的体现，艺术性和技术性之间的完美结合可以赋予钢琴演奏一种完美的体验，从而使得钢琴演奏达到一种尽善尽美的音乐艺术境界。优秀的钢琴演奏者，在拥有高超演奏技术的同时，还应该理解与体验音乐作品中的艺术性，将艺术性和技术性有机结合，演奏出动听的音乐作品。艺术性和技术性统一可以为忠实性和创作性、历史性和时代性相结合而进行钢琴演奏提供条件。所以，钢琴演奏的终极目标就是要追求音乐美的艺术，而音乐美的技术则可以在钢琴演奏的过程中体现出来。
（四）感性与理性的统一。
在钢琴演奏中，往往会具有作者的感性因素，听者可以从音乐作者的情感反映以及审美意境中将音乐作品的内涵感受出来。而对于钢琴演奏者自己来说，在演奏时也有自己的情感因素，这种感性能动性对钢琴演奏者的创造性发挥着十分重要的作用。而不同的钢琴演奏者对音乐作品有着不一样的感性反映，有他们各自的审美观。在一些钢琴音乐作品中，还会有理性因素。而理性因素一般都会由钢琴演奏者的演奏基本功和表演技巧所体现出来，且理性因素对演奏效果会产生直接影响。因此，钢琴演奏者必须对其进行理性到位的把握。这一点是由钢琴本身的特殊构造来决定的。每一个钢琴演奏者都会在即将演奏时，在内心中听到那些音符，这有利于他们对自己的演奏动作进行调整。
二、演奏者提升美学素养的途径。
（一）扎实的音乐理论知识有利于钢琴演奏者对音乐作品进行深层次研究。
对于优秀的钢琴演奏者来说，能够对音乐作品进行深层的理解是最重要的。因此，钢琴家要提升音乐作品的演奏水平，首先应该深入学习相关理论知识，加深音乐美学素养，使得自己能正确地理解与分析音乐作品。对钢琴作品进行分析，主要内容就是把握钢琴乐曲中的节奏、节拍、力度、织体与和声等。而在这些音乐作品要素中，最重要的就是对曲式结构进行掌握。因此，我们必须掌握曲式学还有声学这两门基础学科，有利于钢琴演奏者理清音乐作品的结构。而对音乐理论知识的加强有利于钢琴演奏者对音乐作品进行更好的理解，也有利于我们更进一步熟悉乐谱。
（二）丰富审美经验，提升感性认识。
审美经验是一名钢琴演奏者理性认识的来源，一名优秀的钢琴演奏者，要时刻注意音乐形象的建立。如果钢琴演奏者的脑海中没有鲜活的音乐形象，在演奏技法和塑造音乐形象方面就缺乏指导。因此，一个钢琴演奏者必须从内心对音乐作品有一定的认知，进而将这种认知转化为音乐演奏形式。
（三）加强演奏者的文化艺术修养，提高音乐鉴赏能力。
音乐是一种感性的表达，其中蕴含着丰厚的文化和艺术内涵。自从钢琴被发明以来，距今已有300年的历史，钢琴演奏艺术吸收了各个国家的艺术风格，形成了内涵丰富的世界钢琴文化。因此，钢琴演奏者要加强自身文化修养，熟悉钢琴作品的历史背景以及发展过程，才能全面诠释音乐作品的真正内涵。对于钢琴演奏这种音乐表达方式，要求演奏者必须具备很好的音乐感受能力。每一个钢琴家都是从很小就开始练习钢琴演奏，不仅学习钢琴技巧，也要理解钢琴文化。
三、结语。
作为音乐实践的一个重要环节，钢琴演奏是一种美的艺术，在钢琴演奏中往往包含着美学的思想。从音乐美学的角度上来看，钢琴演奏是表达音乐作品中美的品质的一个重要的方式。音乐美学促进了钢琴演奏中创造性与忠实性的统一、历史性和时代性的统一、感性与理性的统一以及个性与共性的统一。钢琴演奏者必须加强自身文化修养和理论知识学习，增加审美经验，才能更好地将美学思想应用到钢琴演奏当中，促进钢琴演奏美感的提升。